스트라빈스키의 혁명 봄의제전, 신고전주의, 12음기법

스트라빈스키의 '봄의제전' 초연 당시 파리 극장에서 폭동이 일어났다는 사실은 유명합니다. 관객들은 무대 위에서 들려오는 불협화음과 예측 불가능한 리듬에 분노했고, 공연은 중단될 위기에 처했습니다. 저는 작곡을 배우면서 이 일화를 듣고 늘 궁금했습니다. 도대체 어떤 음악이길래 사람들을 그토록 분노하게 만들었을까요. 그리고 왜 스트라빈스키는 그 이후에도 계속해서 새로운 시도를 멈추지 않았을까요.

봄의제전과 음악적 원시주의

스트라빈스키가 1913년 발표한 '봄의제전'은 음악적 원시주의(Musical Primitivism)의 대표작으로 꼽힙니다. 음악적 원시주의란 전통적인 조성 체계를 벗어나 원초적이고 본능적인 에너지를 음악으로 표현하려는 시도를 뜻합니다. 쉽게 말해 수천 년 전 원시 시대의 제의식을 떠올리게 하는 거친 사운드를 만들어내는 것이죠.

피나 바우쉬가 안무한 대표작 '봄의 제전'

이 작품에서 스트라빈스키는 E장조와 E플랫장조 7화음을 동시에 울리는 폴리토날(Polytonal) 기법을 사용했습니다. 폴리토날이란 두 개 이상의 조성을 동시에 연주하는 기법으로, 당시로서는 극도로 불협화음적으로 들렸습니다. 저도 처음 이 부분을 들었을 때 귀가 당황스러웠던 기억이 납니다. 마치 두 개의 다른 곡이 동시에 연주되는 듯한 느낌이었거든요.

리듬 역시 혁명적이었습니다. 스트라빈스키는 예측 불가능한 박자와 강세를 배치해 청중이 박자를 셀 수 없게 만들었습니다. 일반적으로 서양 클래식 음악은 규칙적인 박자 구조를 따르는데, 봄의제전은 이를 완전히 무시했습니다. 제가 작곡 수업에서 이런 불규칙한 리듬을 시도했을 때 교수님께서는 "청중이 혼란스러워할 수 있다"고 조언하셨는데, 스트라빈스키는 오히려 그 혼란을 의도했던 것 같습니다(출처: MoMA).

신고전주의 시기의 재해석

1920년대 들어 스트라빈스키는 돌연 방향을 틀었습니다. 그는 18세기 바로크와 고전주의 음악 형식을 차용한 신고전주의(Neoclassicism) 스타일로 전환했습니다. 신고전주의란 과거의 음악 형식과 구조를 현대적 감각으로 재해석하는 음악 사조를 말합니다. 마치 오래된 건물의 뼈대는 유지하되 내부를 현대식으로 리모델링하는 것과 비슷하다고 할까요.

1920년 초연된 '풀치넬라'는 이 시기를 대표하는 작품입니다. 스트라빈스키는 18세기 작곡가 페르골레지의 음악을 재구성하면서도 자신만의 독특한 화성과 리듬을 더했습니다. 처음 들으면 바로크 음악처럼 들리다가도 이내 20세기의 불협화음이 튀어나와 청중을 놀라게 만들죠. 라고 생각하는 분들도 있는데, 저는 이 시기 스트라빈스키가 단순히 과거로 회귀한 것이 아니라 과거를 재료 삼아 새로운 것을 창조했다고 봅니다.

그의 신고전주의 작품들은 다음과 같은 특징을 보입니다:

1. 바로크 시대의 아리아, 레치타티보 같은 형식을 차용하되 현대적 화성 언어로 재해석
2. 모차르트나 바흐 스타일의 선율 구조를 기반으로 하지만 예상 밖의 전조와 리듬 변화 삽입
3. 과거의 형식미를 존중하면서도 스트라빈스키 특유의 날카로운 음향 유지

제가 작곡할 때도 비슷한 고민을 했습니다. 새로운 것만 추구하다 보면 금방 지치고, 청중도 따라오지 못합니다. 스트라빈스키는 이미 1920년대에 그 균형점을 찾았던 것 같습니다. 혁명만이 능사가 아니라는 걸 깨달은 거죠.

12음기법으로의 전환과 끝없는 도전

1950년대 스트라빈스키는 또 한 번 변신했습니다. 이번에는 아르놀트 쇤베르크가 개발한 12음기법(Twelve-Tone Technique)을 받아들였습니다. 12음기법이란 한 옥타브 안의 12개 음을 모두 동등하게 사용하며, 미리 정한 음렬(Tone Row)을 기반으로 작곡하는 기법입니다. 쉽게 말해 특정 조성에 얽매이지 않고 12개 음을 규칙적으로 순환시키며 곡을 만드는 방식이죠.

많은 이들이 이 선택을 의아해했습니다. 봄의제전으로 세상을 뒤흔들었던 스트라빈스키가 왜 1920년대부터 유행한 학구적인 기법을 1950년대가 되어서야 받아들였을까요. 라고 보는 시각도 있는데, 개인적으로는 스트라빈스키가 끊임없이 자신을 갱신하고 싶어 했기 때문이라고 생각합니다. 저 역시 작곡할 때 같은 스타일만 반복하면 견딜 수 없이 지루해집니다. 새로운 모티브가 떠오르면 그걸 계속 발전시키고 변형하고 싶어지죠.

1957년 발표된 '아곤'은 스트라빈스키의 12음기법 시기를 대표하는 발레 음악입니다. 12개의 춤으로 구성된 이 작품에서 스트라빈스키는 12음기법을 엄격하게 적용하되, 자신만의 리듬감과 춤곡 형식을 잃지 않았습니다. 일반적으로 12음기법은 추상적이고 난해하다고 알려져 있지만, 제 경험상 스트라빈스키의 12음 작품들은 여전히 춤출 수 있는 에너지를 담고 있습니다.

솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 저는 처음에 스트라빈스키가 나이 들어 학문적 기법에 빠져든 것이라고 생각했습니다. 하지만 실제로 그의 후기 작품들을 들어보니 여전히 스트라빈스키다운 생동감이 살아 있더군요. 그는 12음기법이라는 도구를 자기 방식대로 소화해낸 것이지, 그 도구에 종속된 것이 아니었습니다.

저도 작곡 수업에서 비슷한 경험을 했습니다. 2마디마다 새로운 모티브를 집어넣었다가 교수님께 "주제를 알 수 없다"는 지적을 받았죠. 아이디어가 넘쳐서 주체할 수 없었던 시절이었습니다. 하지만 나이가 들수록 깨달았습니다. 우리 삶에는 익숙함이라는 반복이 필요하다는 것을요. 스트라빈스키도 그걸 알았던 것 같습니다. 그래서 원시주의에서 신고전주의로, 다시 12음기법으로 넘어가면서도 자기만의 정체성을 잃지 않았던 거죠.

불혹 즈음 스트라빈스키

스트라빈스키는 혁명가였지만 동시에 균형감각을 지닌 작곡가였습니다. 그는 새로움만 추구하지 않았고, 과거를 존중하면서도 그것에 머무르지 않았습니다. 어느 시대든 급진적으로 앞서가는 사람들은 제동을 받게 마련입니다. 하지만 스트라빈스키는 그 제동을 받아들이면서도 자신의 길을 멈추지 않았습니다. 저 역시 작곡가로서 그의 태도에서 많은 것을 배웁니다. 창작자에게는 새로움을 향한 열망과 함께 청중과의 소통, 그리고 자기 정체성이 모두 필요하다는 것을요.

--- 참고: https://youtu.be/qARmrXfWMbc?si=1W77SPYAl_Z-Ym4T